A. 什么是美术鉴赏教案
首先是美术教案，然后教案的内容涉及美术（绘画、雕塑、工艺美术、设计、建筑、摄影、数码设计）作品的鉴别和欣赏方面的。
B. 高中美术第二册《工艺美术与现代设计艺术》教案或说课稿
一、 教学案例
教学背景：翻开艺术史，我们可以清晰的看到艺术作品在不同材料的作用下体现出时代的文明和发展轨迹。在中国，原始时代的利用泥土制作的彩陶，商代利用铜和木材的制作的青铜器、漆器等；在西方，天然的石才成为希腊雕刻艺术家们取之不尽的原材料。这一切都说明了材质与艺术的密切关系。
现成物体被当着艺术表现的材料运用于现代艺术，可从绘画大师毕加索谈起。毕加索将废弃的自行车车座、车把组合成公牛头。之后，材料被艺术家当作表现思想的媒介，在现代艺术设计中的应用越来越广泛。在自然界，纤维、竹木、石子、贝壳、金属、塑料等都向我们提供了关于颜色、图案、形状、肌理、质感等方面的素材。同时，各种材质又具有软与硬、轻与重、粗与细、冷与暖等属性。因此，材料具有触觉和视觉的双重功能。材料的选择与应用为学生提供了宽泛的实践与探索空间。美术教师就抓住这个契机，以材质与肌理为突破点尝试采用实践式教学模式进行现代工艺美术设计与应用的课堂教学。
基本过程：
课前教师要求每个学生根据自己的喜好广泛收集不同质地材料，并带到课堂上。在发挥材质与肌理的效果前提下，构思作品。之后进行制作和实验。最后，在学生完成作品之后发表自己的感想与体验，与老师和同学交流经验。以下是教学过程中的几个片段：
片段一：试验课题《山水》
薛夼同学想做一个具有水墨韵味的壁挂。
实验一：选择通常用的黑色、白色垃圾袋，进行裁切、粘合。结果因为粘合技术不过关，效果不理想。
实验二：选择黑白布，灰色毛线等进行粘贴组合，效果较为理想，有亲切感。
实验三：选择模板做底材，然后用沙浆、纸浆做肌理，之后涂色，效果接近真实。但沙浆牢固度、纸浆牢固度不够。
最终，薛况同学选择了麻布片作底，用布和毛线完成形象的设计与制作。
骆小华同学想做具有现代感的画面效果。
实验一： 选用塑胶板做底材，塑料管拼接，以方向的转换表现山水的走势，结果发现塑料管不能自由弯曲，局限大。
实验二： 选用金属丝和金属片制作则很灵活。最终完成设计与制作；
何采纯同学选用卫生纸、宣纸、纤维板等材料成形象的设计与制作，使作品水墨味达到及至；
苏燕玲同学选用黑白灰三色塑料管进行连接组合，作品具有马赛克味道；
苑晶同学选用立德粉与纸浆------
实验与讨论
师：通过实验相信大家都有感触。实验的成功对我们来说如同享受美味，请大家谈谈自己的感受
薛况： 通过多种实验，发现运用不同的材质，效果不同。塑料给人以冷漠感，毛线类纤维给人以亲切感，纸浆或沙浆给人以朴拙感，厚重感。
骆小华：在实验中，我发现金属丝所呈现出来的感觉是缠绕、坚硬、酷的感觉。
何采纯：老师，在您的启发下，我的思路已打开。宣纸，卫生纸是我们身边的随处可见的材料，我选择它感觉具有环保意义。
苏燕玲：塑料管很容易找到，按构成的形式去制作就产生了节奏感和错位感。
苑 晶：我选择的材料很普通，但这种材料却有一种神秘感。
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师：是啊，我们这样的学习与探讨，既锻炼了我们的动手能力又丰富了想象力。综合材料在工艺美术与设计中应用的越来越广泛。关于材质的应用与研究将是一个永恒的课题。我们只有善于学习，善于研究并结合时代精神才能发现无限创造的可能性。
片 段 二：实验课题《秋》
老师引导学生多方位、多角度地实践的同时，还配合二胡、排箫、钢琴等背景音乐。在这种情景氛围中，进行实践与制作。
实验一：邓苗同学选择树皮、纸浆、干草和树叶做成浮雕效果，借以表现具有真实感的秋天的萧杀景象。
实验二：马续强同学干脆选用多种纤维做成多层悬垂状的软雕塑，借以表现秋水伊人的景象---
实验与讨论：
大多数同学认为情景音乐能够帮助引发联想，容易进入忘我之境。极小部分人同学认为没有用，甚至有些干扰不利于静思、深思。
片 段 三：实验课题《环境与我》
老师利用教学媒体播放自然风光片，阐述人与自然的关系。然后，让学生引发联想，设计体现环境与人共存关系的艺术作品。
实验一 陈玉琴同学用一个废弃的篮球代表地球，在其表面附上新鲜的树叶片，并有规则的排列。之后用沙浆进行粘贴覆盖，绿色逐渐减少。同时，绿叶的水份也在逐渐丧失。地球变得越来越没有生气------
实验二 李聪同学想设计动物与人的共存关系，结果出现想象力匮乏。这时，他借用电脑进行设计制作。灵感因此产生。最终，李聪用铁丝网、羽毛、麻绳、布等材料做成鸟与人被困铁丝网中的画面------
实验与讨论
师：这节课同学们会更有想法，陈玉琴同学的设计让人触目惊心-----
陈玉琴：老师,您在课中播放这样的片子，让我认识到我们人类的发展是以破坏生态环境为代价的，地球对人类生存的承载力正变得越来越脆弱。我做这件作品要表达的是：当地球的树木、水、土地资源日益枯竭时，我们人类的生存将变得越来越困难------
李 聪：现代社会的高速发展却使一些珍贵的动物种群濒临灭绝的境地。人类的疯狂捕杀等行为必将受到生态平衡的惩罚。我的作品想要告诉人们：人类的自由是受大自然限制的------
从上面的片段中，可以看出学生在课堂学习与实践中的积极性、主动性和创造性。他们善于发现，勤于思考，动手能力极强，解决问题的能力得到提高。同时，在具体的实践中，培养了热爱大自然、热爱和平的美好情操，美术课真正成为培养学生寻找美、发现美、创造美的课堂。
二、案例的几点启示
（一）先进的教学思想
本案例采用的教学模式摒弃以往的“灌输式”教学而代之以多元性实践教学。注重学生能力的培养，以培养学生善于发现，勇于实践、勇于创新的品质为重。通过丰富多彩的实践活动充分刺激学生的视觉、触觉、听觉，从而获得感知认识。在感觉和知觉的体验认识基础上进一步调动思维和情感体验，不断升华认识思维，获得创造与成功愉悦的体验。其教学理念和教学实践过程体现新课程改革标准的精神，值得借鉴和研究。
（二）科学的教学方法
本案例的创设，运用自然界中的材料与肌理进行设计制作，引导学生运用综合知识，自主发现和探索实践。在教学实践过程中，教师把学生分成几个小组进行实验。实验材料和实验手段充分自由。整个过程里，学生充分发挥自身的主体作用，自己动手、自己构思、去实践去创新，挖掘自己的潜能。学生在成功完成一件作品后，互相交流实验体会，不断总结知识经验。实践过程体现出学生学习的积极性、灵活性和探究性。学生个性得到张扬。同时，教学情景的创设；工作室的构建；多媒体的教学辅助等都为学生创设了良好的教学氛围，实现了教学形式与教学内容的和谐统一。体现了多元性、科学性的现代化的教学策略。为美术教学活动提供了成功的案例。
（三）教学内容的灵活性
本案例采用实践式教学模式，其内容具有很强的灵活性，根据学生的心理特征和时代环境的需求，选择适当的方法和切入点.。以一个选题的发放，同时选用不同的材质和肌理进行设计，体现不同的设计风格。然后师生进行讨论、交流创作体会。使教学内容丰富而充实，并且外延得到扩大。
（四）学生学习方式
学生的学习方式，是体现教学思想和教学方法的具体化。传统的工艺美术教学形式多采用单元制教学，是“师承式”的。教师一味地教，学生被动地模仿或被灌注。学生的主体性、创造性被扼杀。老师在教学过程中强调的是技能和基础知识，学生的积极性主动性被忽略。学生实践少或者根本缺失实践，动手能力差。本案例的创设以实践为主、以多媒体设计为辅，在学生的学习方式上做出了重大突破。学生在具体的实践过程中，是一个不断发现问题、研究问题、解决问题的过程。同时，也是一个发现美、寻找美、创造美的过程。因此，本案例的实践性、研究性和创造性的学习方式是案例的重要亮点。这种学习方式充分提高了学生学习美术的积极性，有效提高了课堂教学质量。
（五）教学评价的综合性。
教学评价是教学者思想的延伸。传统的美术教学评价，往往是根据学生的美术作业好坏来评定学生艺术修养的优劣。教学评价过于简单化。而本案例的创设则体现了教学评价的综合性。不再是仅仅关注作业的好坏，而是偏重关注教学过程中学生求知、探索、研究、发现、创新的努力过程。这种教学评价是师生互动的，探讨式的。这种评价方式确切的说是一种经验总结，有效地促进学生的不断提高和发展自身能力，使教学评价的功能得到充分发挥。
C. 漂亮是美术鉴赏的标准吗教案艺术美初探
第6课漂亮是美术鉴赏的标准吗——艺术美和形式美 一、教材分析 （一） 教学目标 美术鉴赏究竟鉴赏什么？这对于一般人来说是一个实际而又不清楚的问题。从本课开始，我们将进入美术鉴赏的专业知识学习阶段。我们在本课遇到的首先是美术作品的艺术美和形式美问题，这对于鉴赏美术作品是至关重要的。因此，本课的教学目标就是让学生了解：1.什么是美术作品的艺术美和形式美；2.美术作品的艺术美和形式美的基本原则及其在作品中的主要表现。 （二） 内容结构 本课主要包括三大部分。 第一部分是通过法国雕塑家罗丹的作品《欧米艾尔》提出，美术作品的艺术美是艺术所特有的美，以改变一般人的“漂亮”或“好看”的审美观念。因为一般人的这种观念是根深蒂固的，它不仅影响了人们对美的认识，也有碍于对美术作品的鉴赏。由此强调美术作品是由艺术家创造出的不同于现实生活的第二自然。 紧接着在第二部分“什么是艺术美？它有哪些表现？”中对“艺术美”及其表现作出说明。这里涉及到“美术形象”这个概念，可以参照第3课对“艺术形象”这个概念的解释。不过本课所说的“美术形象”或“艺术形象”已经不是指某种具体美术类型中的特定形象，更不是指像具象艺术中的人物、环境、道具等可辨形象，而是包括了三种美术类型在内的美术作品所塑造出的“美术”的形象，是美术作品整体形象的体现，即存在于整个美术作品之中。美术作品的艺术美就存在于这种整体的美术形象之中。 第三部分“什么是形式美？如何理解和把握形式美？”是从潘天寿的作品《雄视》开始讲解什么是形式美的，指出美术作品的艺术美和形式美既相互包含、渗透又彼此具有独立性。这里先简单解释了什么是“形式”，然后具体说明构成形式的三个主要方面：1.美术的语言元素（点、线、面、色）及其所形成的形态变化；2.语言手段（明暗、空间、透视、构图、肌理）及其所构成的审美意象；3.语言规则（变化与统一、对比与和谐、对称与均衡、比例与尺度、节奏与韵律等）及其所构成的审美关系。美术作品的形式美主要就来自于此。 （三） 教学的重点与难点 学习和掌握美术作品的艺术美和形式美是美术鉴赏进入专业层面的标志，也就是使学生脱离只能分辨“漂亮”与“不漂亮”的自然状态，进入更高的审美阶段，作为“培养审美的眼睛”的开始。因此，本课教学的重点在于说明，美术作品的艺术美和形式美并不完全是现实的直接反映，也不等同于人们一般所说的“漂亮”或“好看”，而是由艺术家借助美术的特定语言、手段和法则创造出美术自身的美，而这种美又是多样的，即不同类型的美术作品由于艺术家所采用的语言、材料、手段等不同而产生的艺术美和形式美就大异其趣。为了说明这一点，在这里就必须紧紧围绕美术的语言元素和语言规则两个方面来讲解，因为美术作品的艺术美和形式美主要就是通过它们来实现的。 本课教学难点，主要在于美术作品的艺术美和形式美既是具体的又是抽象的。也就是说，美术作品的艺术美和形式美既可以通过知识的学习掌握，但在很大程度上又纯粹是一个个人的感觉问题。同时，本课还将涉及到大量抽象的概念，这也将为本课的教学增加不少的难度。在这部分应特别注意对概念的讲解，并在概念与作品之间建立联系，即注重通过作品来讲解概念，以使学生对美术作品的艺术美和形式美的认识有形象的依据。 这里的难点还包括对美术作品的艺术美与形式美之间异同的讲解，课文中并没有特别给予说明，只是在课文的第三部分简要地指出了这个问题，但教师需要对此有较清晰的认识。美术作品的艺术美和形式美之间既有重合的地方也彼此独立。一般来说，美术作品的艺术美是由艺术家通过美术的语言元素和语言规则创造出的艺术所特有的美，其中包括内容与形式两个方面。也就是说，艺术美是由内容与形式的统一来实现的。在这一点上，它与美术作品的形式美具有同一的来源。但二者所指不同，所谓“艺术美”主要强调的是艺术独立于现实的自身所特有的自在的美，这种美在现实中也许可以直接看到，但也许根本看不到，它是由美术作品集中提示出来的。而形式美尽管也是由艺术家借助美术的语言元素、语言手段和语言规则从现实中提炼而出，但它则更强调实现内容的手段，即手段本身的美，其中包括语言的构成关系和所使用的材料的特质。但美术作品的艺术美和形式美之间的渗透和包容关系又使得这个问题变得非常复杂，教师应注意不要在这个问题上作过多的纠缠，只要简单地指明美术作品的艺术美和形式美的独立性和与现实的区别即可。因为在这个问题上需要不断学习和大量的积累，才能有更准确的把握与理解。这是一个长期的学习过程。 二、教学内容资料 （一） 作品分析 欧米艾尔（雕塑，1885年）罗丹（法国） 罗丹（Auguste Rodin,1840—1917）出生于巴黎拉丁贫民区一个贫穷的基督徒家里，父亲是一名小职员，母亲是受雇于人的女佣。罗丹自小就参加了各种手工艺劳动，做过首饰匠、珠宝匠、泥水匠、木匠、模塑工，由此他逐步爱上了美术。父亲虽不同意，但姐姐却很支持他，以自己微薄的工钱供他学习，因此罗丹得以进入巴黎一所专门培养工艺美术技工的图画与数学学校学画，但不久便因买不起油画颜料而转入雕塑班，并成为当时著名动物雕塑家巴耶的学生。三年的学习使他打下良好的传统雕塑基础，但他三年报考巴黎美院而不中，一个主考官给他的评价是：“此生毫无才能，继续报考，纯系浪费。”这给他很大的打击，但更大的打击还是姐姐的过世。从此他心灰意冷，便进入一家修道院出家了。有幸的是，修道院院长埃马尔神父发现了他的才能，便鼓励他继续从事艺术创作，还在修道院内专门为他安排了一间画室。为了表达对神父的感激之情，罗丹为神父做了一件胸像，从这件胸像中已可以看出罗丹的不同凡响之处了。 《欧米艾尔》实际上是罗丹对从前的一个模特儿、一个老年的意大利女人所作的敏锐研究中得到的灵感，通过畸形、丑陋的形体，表达了对生命的强烈悲哀和绝望。罗丹以极写实的手法，记录了老年人身上一切不忍目睹的肉体形态。但是罗丹绝不是仅仅为了再现老年人丑陋的肉体，而是用无与伦比的丑陋形态，象征人贪欲的结局，即对人因追求享乐而犯下的“罪恶”及其堕落的报应和惩罚。这在资本主义金钱竞争、享乐造成灾难的年代，无疑是一种反思，是用丑陋的肉体形象对当代人类行为的反思，也是对人的悲剧命运的反思。这种丑陋衰败的结局展示人类追求享乐的代价。因此，《欧米艾尔》这个人体雕塑越是丑陋，越是表现出作者对人类深沉的同情，体现出人类追求享乐的巨大代价。而越是丑得真实、丑得可信，越是具有较大的现实意义。罗丹用其丑无比的肉体形象，表现了当代人的罪恶、堕落、痛苦、绝望，也表现了作者对当代人的批判、同情、歌颂。 艾普色姆的赛马（油画，92厘米×122.5厘米，1821年，巴黎卢浮宫藏）热里柯（法国） 热里柯（Jean Louis Theodore Gericault，1791—1824）生于卢昂一个律师的家里，幼年即随家迁往巴黎。热里柯在19岁时进入格兰的画室，格兰认为他具有非凡的才华。热里柯早期的作品即己表现出他的大度和热情。由于自小喜爱骑马，以后他成为画马的能手。他在1816—1817年去意大利时，迷恋上米开朗基罗和意大利巴洛克画家的作品。热里柯到达罗马后，不是一头扎进美术馆里，而是在街头发现自己的生活：人民广场正在举行一年一度的罗马狂欢节，一群无鞍马选手准备参赛，这是些青年农民。鼎沸的人群勉强闪出一条极窄的通道，让狂奔的观者攀缘在房子和教堂上，为赛马手呐喊助兴。这幕旋风般令人亢奋的群情与盛况，激起了画家的兴趣。热里柯当场画了许多与马有关的速写。这一幅《艾普色姆的赛马》反映了他这一时期的倾向，是热里柯去英国访问（1820—1822）期间完成的。他把从意大利获得的题材，经过出国游览考察所得，酝酿成了这一幅赛马题材作品。从历史的角度看，热里柯的英国之行具有重要意义，因为以马为主题的一系列后期创作，是他从英国返回后确立的。热里柯于1824年不幸在一次偶然的坠马中受伤去世，年仅33岁。 作为浪漫主义的先驱，热里柯向浪漫主义和现代倾向迈出了关键性的一步，他率先向文艺复兴的传统发起了总攻，这就是结束文艺复兴以来一直延续的对视觉真实的再现，这种再现一直使得艺术家处于相当被动的地位。而从浪漫主义开始（甚至也包括新古典主义某些极端的探索），艺术的个性化、艺术家的能动地位和艺术自身的价值体现逐步具有了主导意义，现实只是成为艺术和艺术家独立发展的参考，艺术的意义超过了现实的意义，或者说艺术家的现实观发生了变化。热里柯在这里不是再现他的所见，而是把他的所见情绪化地表现出来，代表了浪漫主义的特征。 雄视（中国画）潘天寿 潘天寿（1897—1971），原名天授，字大颐，号寿者，晚年常署颐者、雷婆头峰寿者，浙江宁海县冠庄人，是中国现代最杰出的中国画家和美术教育家之一。1915年潘天寿考入浙江第一师范，是李叔同和经享颐的学生。1923年任上海民国女子工校和上海美专国画系教师，开始研究中国画，并与吴昌硕交往密切，得到吴昌硕的称赞。1928年受林风眠之聘任西湖国立艺术院国画系主任、教授。1944年后任校长。潘天寿精于写意花鸟，兼作山水画、人物画，又擅长书法、篆刻，特别是“指画”。他对中国绘画史和绘画理论也有很深的研究和独到的见解。他的花鸟画别开生面、独树一帜，不论构图、用笔都追求雄强豪壮的气势，这不仅是他正直、倔强性格的写照，也是近代中国集体人格的反映。这幅《雄视》是他的代表作之一，表现了潘天寿在构图和主题处理上追求奇崛、险峻和险中求稳的艺术特征。正是由于潘天寿的杰出艺术成就，因而和吴昌硕、齐白石、黄宾虹一起被誉为“现代四大家”。 春雪（中国画，69.5厘米×138厘米，1984年）吴冠中 《春雪》体现了吴冠中的一贯艺术追求，但在他的同类作品中此画又是较为抒情的一幅。尽管此画尺寸较大，但仍给人一气呵成的感觉。画面上似乎只有几块大片的墨色，间以墨点和墨线，少数地方用了一些色彩，但奇怪的是，一个巍峨秀丽的雪山就出现在我们面前。点、线、面等语言要素被作者运用得机巧而灵动，充分发挥了中国画的语言特征，体现出中国画的形式美和艺术美，给人以艺术的享受。 老国王（油画，76.8厘米×54厘米，1916—1917，匹兹堡卡内基学院藏）卢奥（法国） 乔治•卢奥（1871—1958）出生于细木工家庭，原是法国象征派画家莫罗的学生。莫罗死后，他曾被任命为陈列莫罗作品的美术馆馆长，与野兽派画家志同道合。 卢奥的作品充满宗教情感，他憎恶法国社会道德的腐败，经常在出入巴黎地方法院时，看到一些“失去上帝恩宠的人们”，因而在他的画上增加了色衰的妓女、落网的歹徒和冷酷的法官等形象。 这一幅《老国王》，体现出彩色玻璃窗画的特色。颜色很厚重，黑色勾轮廓，体现出油画特有的艺术美和形式美特征。老国王的侧面形象显得很忧伤，不像国王，倒像个苦难者的化身，与基督受难像差不多。这幅画约创作于1916—1917年，在两次世界大战期间，卢奥反复修改了这幅画，借以寄托画家对苦难人民的同情。他在自己的回忆录中写道：“我是荒原里受苦难人的沉默的朋友。我是永恒苦难的常青藤，它攀缘在这被弃的墙上，墙内是反叛的人们藏着的罪恶与善行。作为基督徒，我相信钉在十字架上的耶稣。” 向正方形致敬（油画，120.7厘米×120.7厘米，1959年，纽约古根海姆博物馆藏）阿尔伯斯（美国） 约瑟夫•阿尔伯斯（1988—1976）生于德国波特罗普，32岁时进入包豪斯学院做学生，以后留校任教。1933年希特勒关闭包豪斯时，他是这个学院最早移居美国的教师之一。在美国，他成为宣扬包豪斯设计革命和设计手段新观念的最有影响的人物之一。他在北卡罗琳那开设的著名的黑山学院成为传播他的思想的主要阵地，也成为美国先锋派艺术家荟萃和获取灵感的大本营。 阿尔伯斯在理论和实践上对色彩知觉结构进行的详尽研究由其教学和作品传播开来，并对美国的抽象艺术产生了重要的影响。1950—1960年他离开黑山学院来到耶鲁大学成为建筑和设计系主任。这一时期开始了他著名的油画和正方形系列画，并都起名《向正方形致敬》。这组作品使他在抽象减少和视错觉的探索上达到一系列的高峰。其实，早在瓦萨雷利和巴黎的视觉艺术探索小组之前，阿尔伯斯就已经创造出了一种动力知觉绘画，他的这种创造使包豪斯构成派变成一种更有活力的抽象艺术。他于1959年开始的《向正方形致敬》系列，使他近乎绘制性地重复着他早先就已经开始的尽管不是很明确的主题，这就是用不同色调和比例以及不同变体的相叠的正方形色块，它使得埋藏在复杂视觉体验中的个人心理和丰富的情感内容受到前所未有的重视。 夜巡（油画，365厘米×438厘米，1642年，阿姆斯特丹美术馆藏）伦勃朗（荷兰） 伦勃朗（1606—1669）是荷兰大画家，不仅是杰出的油画家，而且是著名的铜版画家。他在肖像画、风俗画、风景画等方面都有很深的造诣，从而使他在美术史上享有崇高的地位。 伦勃朗出生在莱顿一个磨坊主家庭，受过较好的教育，并进过大学，但不久离校学画。21岁时已掌握了油画和铜版画的基本功，开始形成自己的风格。他在家乡开画室并接受定货。1631年离开家乡定居在荷兰最大的城市阿姆斯特丹，很快就成为当地著名的肖像画家。1634年他的爱妻病逝，后又因伦勃朗和女仆结合，引起亲属们的强烈不满，以致诋毁他的声誉，霸占他的财产，最后终使伦勃朗陷于困境不得不搬到贫民区居住。但伦勃朗在艺术上并没有停步，相反，由于生活的坎坷使他更深刻地去观察和理解社会，艺术视野更为广阔，使他的艺术达到了顶峰。在他完成晚年著名的代表作《呢布业同业工会理事》后，他的继妻和他惟一的儿子相继离开人间。1669年10月4日，这位最杰出的荷兰画家也终于在极端贫困中与世长辞。虽然他的遗物只有画具和破旧的衣衫，但是他却给人类留下了一大批极其珍贵的艺术遗产（600幅油画、1300幅版画和2000幅左右的素描和速写）。 在伦勃朗的大量作品中，肖像画占了很大的比重，仅他的自画像，目前保存的估计总数在60～100幅之间。他的绘画风格，突出地表现在主要利用光线来塑造形体、表现空间和突出重点，画面明暗对比强烈，虚实结合，层次丰富，气韵生动，后人称之为伦勃朗式的明暗画法。 《夜巡》是伦勃朗创作盛期的重要代表作。它是荷兰首都阿姆斯特丹民兵总部定制的一幅群像肖像画。关于这一作品，过去流传的说法是：当此画的定制者看到完成了的作品时很不满意，因为画中只突出了几个主要人物，不少人被画在不够显眼的位置，他们要求画家修改此画，结果遭到伦勃朗的拒绝。定画者为此向法院提出控告，伦勃朗败诉，他从此成为不受欢迎的画家。他后半生的贫困生活也与《夜巡》一画有关。近几十年来，经过许多国家专家的考证，证明上述说法并不可靠，乃是伦勃朗死后一些传记作家，为了渲染所谓天才人物生前往往不能为人所理解而制造出来的。事实上，《夜巡》一画最后仍为定制者所接受，伦勃朗也得到了事先议定的报酬。 不管怎么说，从这一作品本身来讲，这一群像肖像画是富有创造性的。画家采用了接近戏剧舞台效果的表现手法，安排了一群民兵正接到命令准备集合出发去执行任务的情节，并有节奏地处理这些民兵们。民兵的负责人宁•科克正在集合队伍，所以在画面上处于突出的地位，并好像正与他的部下边谈着话边向观众走来。其他民兵，有的在击鼓，有的挑着旗，有的擦枪筒，有的举长枪，呈现出各种各样的举止神态，但都统一到准备集合出发这一情节上来。整个画面明暗对比强烈，但又极富层次感，构成一幅富有战斗性的构图，充分体现了伦勃朗独特的艺术风格。应当说明的是，此画原来画的时间是白天，由于此画被后人涂上了过厚的光油层，加上长时间的岁月侵蚀和空气污染，以致画面变暗，好像是画的夜景。大约从1800年开始，此画的名称一直被误传为《夜巡》。 空间中连续性的形式（雕塑，高110.5厘米，1913年，纽约现代艺术博物馆藏）波丘尼（意大利） 翁贝托•波丘尼（1882—1916）是一位博览群书、才华横溢的艺术家，也是未来派的重要理论家和灵魂，未来主义的两次宣言——“未来主义绘画技巧宣言”和“雕塑宣言”均出自他之手。他倡导艺术家应积极投身于现代科技文明，在艺术中努力表现这些成就，鼓动艺术家去捕捉现代生活中的运动、生命和速度。在波丘尼的心目中，运动感的表现是艺术中的首要问题，因此他的作品总是充满着动感。波丘尼是未来派最有才华的艺术家，可惜他在艺术上没有得到充分发展，当一战爆发时他自愿入伍，1916年他正值年富力强之时战死于意大利前线，年仅34岁。 波丘尼努力将运动的过程在《空间中连续性的形式》这件雕塑上表现出来，即把时间这一因素引入到造型艺术中，为此他创作了这件作品。这是一个快速行进中的人物全身像，但这个形象并没有五官和双臂，艺术家将这个人的每个运动步骤联系起来，创造出一个新的充满运动感的现代机械形象。它带有写意的特点，尽管没有完整的五官，也没有双手，并非一个真实的人体，但我们仍然能从它的动态感觉到一种力量速度，它在人的视觉上造成的是一个快速行进中的人物印象。 空间设计里特维特(荷兰) 在20世纪初的荷兰，风格派运动回应了阿姆斯特丹学派优雅的雕塑般的艺术风格，只关注艺术的客观性，他们拒绝使用物体的自然形态，而是尝试由直线、三原色以及黑、白、灰组成的抽象艺术语言。蒙德里安是风格派的创始成员之一，他的绘画获得了普通的承认。在建筑上，直线和平面互相穿插，提示我们建筑代表着空间的连续性而不是封闭的边界。 最清楚地表现风格派特征的建筑，是由里特维特(1888—1964)于1924年与他的客户——室内设计师斯劳德夫人共同设计，位于乌德勒布市的一座住宅。该建筑坐落于城郊的一片开阔地中，就像是一幅三维的小型蒙德里安式绘画，似一件摆设多于一座可居住的建筑。建筑形式表达清晰但却手法轻灵，各部分都是由面与线构成，表现得若隐若现、难以捉摸，使得这座建筑本身就是一种对空间的体验。 荷矛者（雕塑，高198厘米，公元前5世纪，罗马时期复制品，那不勒斯考古美术馆藏）伯留克莱托斯（希腊） 伯留克莱托斯是公元前5世纪古希腊最著名的雕塑家之一，擅长表现青年运动员的形象，所用材料都是青铜。据说他还写了一本论述人体比例的著作《法式》。可惜他的原作均已不存。这里的《荷矛者》被塑造成一个体格健壮、充满朝气的青年战士的形象，体现了古希腊人在希波战争胜利后对英勇保卫国家的战士们的崇敬心情。同时，它也是作者长期研究人体比例的验证。他认为最理想的人体比例，即头与全身的比例为1：7，以肚脐附近为重心划分的上下身比例为黄金分割的近似值5：8，身体重心的垂直线落于右脚之上。整座雕像以均衡的动作形成统一的构成，显得极其完美和谐。 米洛斯的阿芙洛蒂特（雕塑，高202厘米，公元前1世纪，巴黎卢浮宫博物馆藏，古希腊) 这座发现于爱琴海米洛斯岛的山洞中的雕像，是希腊化时期的作品。阿芙洛蒂特的罗马名字是维纳斯。这位美与爱之女神，在希腊和罗马神话中，已成为全部女性美的代表和体现者。从公元前4世纪的著名雕刻家普拉克西特以来，无数雕刻家都在千姿百态的女裸体像上，热情歌颂这位体现着女性的温柔、美丽和永恒青春的女神。但是，至今留给人们印象最为深刻，使人感到十分亲切，既貌美婀娜、体态万方，又庄重典雅的裸体女神雕像，就要算这座米洛斯的阿芙洛蒂特了。尽管她双臂残缺，但那雕刻得栩栩如生、解剖无懈可击的躯体，仍然给人以完整的美感，以至于后世很多为她复原双臂的雕刻家的复制品，都在原作面前黯然失色。这座雕像可供四面欣赏，无论从哪个角度看，都有某种统一而富于变化的美。女神的面部具有希腊妇女的典型特征——直鼻、椭圆脸、窄额和丰满的下巴。这正好说明希腊的神，是希腊人按照他们自己的模样来创造的。她那安详自信的眼神和稍露微笑的嘴唇，给人以矜持而富有智慧的感觉，毫无纤巧娇柔、顾影自怜的造作神态。她使人们了解到两千多年前希腊人的审美观：力求外在美和精神美的统一。丰腴饱满的躯体和端正大方的容貌，体现着青春、健美和充沛的生命力，体现着内在的教养和美德。这一切取决于雕刻家浑厚朴实而不追求纤巧细腻，但同时显示出人体动态中丰富的变化和含蓄的美感。 （二） 名词解释 美的规律和法则 从某种意义上说，规律与法则是一致的，因为法则体现了事物的规律性，而规律则是通过法则呈现出来的。对美的规律和法则的认识和总结在古希腊的时候就已经开始，当时主要体现在建筑和雕塑之中，以后逐步扩展到绘画，形成造型艺术产生艺术美和形式美的基本规范。在古希腊，艺术的法则有三个特点：(1)被认为是最完美的艺术形式规范，是达到完美艺术的保证；(2)它是以比例的形式体现的，并且可以用具体的数量来表现，例如事物各部分之间的比值和黄金分割率；(3)它是灵活的，可以随着人的审美的变化和视觉的需要加以适当的调整，但只有一个相对的空间。这样的研究对造型艺术创造自身的艺术美和形式美提供了重要的依据和手段，艺术家可以根据这样的美的规律和法则创造出符合人的视觉感受的美的形象。也就是说，美的规律和法则是按照自然并符合人的比例关系创造出来的，是对自然界的艺术的表达方式，这就是这种规律和法则的普适性。在这其中人们又总结出了变化与统一、对比与和谐、对称与均衡、比例与尺度、节奏与韵律等规则。 审美价值 即审美对象中能够满足人的审美需要，从而引起审美感受的价值属性。审美价值是建立在人和对象的实践关系上的，凭借美的规律，使人的本质力量得到对象化，即在对象中确证自己的存在和价值，由此获得自我享受。但审美价值的观念是在历史的发展过程中逐步形成的，因此就受制于时代性、阶级性和民族性，即不同时代、阶级和民族的审美价值观念存在着差异，因此，在对美的认识、想象和期待上就不同。 变化与统 形式美法则的高级形式，又称多样统一，也叫和谐。从整一律、对称均衡到多样统一，类似一生二、二生三、三生万物。变化统一体现了生活、自然界中对立统一的规律，整个宇宙就是一个多样统一的和谐的整体。“变化”或“多样”体现了各个事物的个性的千差万别，“统一”体现了各个事物的共性或整体联系。多样统一是客观事物本身所具有的特性。事物本身的形具有大小、方圆、高低、长短、曲直、正斜；质具有刚柔、粗细、强弱、润燥、轻重；势具有疾徐、动静、聚散、抑扬、进退、升沉。这些对立的因素统一在具体事物上面，形成了和谐。多样统一的法则的形成是和人类自由创造一种复杂的产品时要求把多种的因素有机地组合在一起一样，既不杂乱，又不单调。多样统一使人感到既丰富又单纯，既活泼又有秩序。这一基本法则包含了对称、均衡、对比、调和、节奏、比例等因素。所以一般都把“变化统一”或“多样统一”作为形式美的基本法则。 比例 造型各部分之间的尺寸关系。部分与部分之间、部分与整体之间、整体的纵向与横向之间等相互之间尺寸数量间的变化对照，都存在着比例。适度的尺寸数量间的变化对照，都存在着比例。适度的尺寸数量的变化可以产生美感，例如“黄金比例”是比较典型的。
D. 急~~!!!求高中美术《工艺美术与现代设计艺术》的教案
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E. 第15课 辉煌的中国古代工艺美术教案
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F. 美术欣赏课教学有哪些方法与策略
美术欣赏教学是美术教学的重要组成部分，小学美术欣赏教学又有其特定的内含和规律。笔者通过实践与探索，积累了一些开展小学美术欣赏教学的理性认识与实施策略。 一、选好题材和内容是“前提”。 在小学美术欣赏课中，教师为了激发学生的兴趣、拓展学生的视野，许多时候会增加一些欣赏内容。然后教师往往以自己的爱好选择作品，从而一味地追求“纯艺术”，忽视了学生的已有认识与欣赏水平及欣赏的心理倾向。因此，在学生欣赏的题材与内容的选择上应注意要选择与儿童的生活实际相贴近，要选择与儿童的认知和欣赏水平相接近的，以接近儿童的最近发展区的，能激发儿童兴趣的作品；要选择的是本身富有儿童情趣的、易于儿童接受与理解的作品。为此，可采取以下策略：1、课前对收集的欣赏作品进行挑选、归类，同时可以组织学生一起挑选自己感兴趣的内容、题材。2、把所要欣赏的内容进行“童化”的加工、处理。3、可以选择学生自己创作的优秀作品，作为补充材料。 二、注重学生的自主体验是“关键”。 在美术欣赏中，教师往往在课始出示范作后，便一讲到底，造成教师投入，而学生漠然的尴尬场面，欣赏成了“讲赏”。而通过教师的讲，学生充其量只是对作品作解剖麻雀式的理解而已。 我们知道学生的学习活动不是一个被动接受的过程，而是一个主动参与的过程，只有学生主体主动积极参与才能调动学生自身的创造潜能。美术欣赏更是主客体的统一，欣赏活动必须依赖学生主体的直接参与，才能激发学生欣赏的情意、获得深刻的体验。教师过多、过细的讲解，既不利于学生对作品的真切感受，又不利于学生欣赏能力的养成。为此，可采取的教学策略是：1、课前给学生充分的时间预习，引导学生收集与欣赏内容相关的资料，让学生有备而“赏”，缩短学生与欣赏内容的距离，产生欣赏的直接兴趣；2、在出示欣赏作品后，让学生仔细地“读画”几分钟，然后再请学生说说对作品的印象和直觉（初步的感觉）；3、用思考题的形式引导学生观察画面，可以从色彩、线条、给人的情绪上去细致地体味；4、必要时，对于欣赏中出现的一些问题，可以采用小组合作的形式进行欣赏评议，以发挥学生的自主性，并为班级交流欣赏成果作准备。这样的欣赏则更多地体现了学生自主参与、自主发展。 三、规范教学流程是“保证”。 欣赏要达到教师的理解与学生的体验相结合；介绍作品的背景与作品内在艺术性与学生的情感体验相结合；达到通过上述“内外”结合，逐步丰富学生的知能结构，提高对艺术形像的审美感受能力。欣赏教学过程须有一定的操作流程规范。为此一般可采取以下策略：1、形成可操作的欣赏程序，以引导学生由浅入深地理解艺术作品，避免欣赏的随意性。大致的环节为：（1）描述。要求学生仔细观察、分析作品之后，用语言简单地描述出作品的题材内容、画种等；（2）分析。对作品的色彩、构图、造型进行整体的语言表述；（3）解释。介绍作者，并对作品的意义、所体现的人文价值进行研究；（4）评价。根据以上内容的学习与探索，对作品进行局部和整体的评价。在这个操作流程中，教师要注意结合作品讲授必要的美术术语，以帮助丰富学生的美术知识结构，提高他们的表达能力。如欣赏色彩时渗透“色调”的概念，在欣赏构图时，讲解一下“构义”的含义。当学生积累了一定的术语后，既能深入地赏析，又能自如地表达欣赏的感受。同时还要注意扣准学生的心态，激励学生反观“自我”来欣赏。如教学时，教师可设计：你喜不喜欢这幅画？这幅画要是由你来画你会怎么处理？你猜猜作者为什么要这样画？从而深化学生欣赏的感受；另外还要注意，要为学生创设想像的空间和自由交流与表述的环境，促使学生在欣赏中作出创造性的“理解”与“评价”，从而在规范的欣赏过程中提升欣赏的层面。 四、欣赏与动手相结合是“外力”。 欣赏教学与工艺、绘画的教学不是孤立的，而是相互作用的。学生如果有了工艺、绘画的实践，就能更好地理解与认识艺术作品。欣赏教学要善于借助学生绘画与工艺等美术实践的“外力”。一般可采取以下策略：1、在欣赏时安排操作活动。如教学民间绘画和工艺品欣赏时，不妨让学生照着作品的风格、形象临摹一下，这样有助于学生理解作品。我在“民间竹编工艺”欣赏这一课中，首先展示许多本地的和嵊州的竹编工艺品，在学生被工艺品所吸引时，紧接着播放介绍竹编工艺的录像，讲解竹编的制作过程。此时的学生，面对教师给他们准备好的篾片等材料，不由自主地动手编了起来。不一会儿，一个个“小玩艺儿”在孩子们的手中诞生了，看那学生的喜欢劲儿，仿佛是什么伟大的创造。这时我就及时引导学生把自己的作品与图片上的作品和欣赏的实物进行比较，然后作出评价。学生在动手中兴趣盎然地欣赏了竹编工艺。2、在课堂教学的各个环节中引入欣赏。（1）课始导入欣赏：在工艺、绘画课的开始部分安 排一些与本课有关的欣赏内容。如上《剪纸》一课时，在导入阶段让学生欣赏一下剪纸———“窗花”；（2）在实践中穿插欣赏，在指导学生练习时穿插欣赏，提供练习的范例，以欣赏帮助练习，以练习促进欣赏；（3）在结束时加入欣赏。在练习结束时加入欣赏，通过比较与实践体会能使学生认识到自身作品的优缺点，还给学生在练习的基础上明示发展的方向，诱发学生探求美的兴趣与愿望。